Classic cars & art

"Un automobile da corsa col suo cofano adorno di grossi tubi simili a serpenti dall'alito esplosivo… un automobile ruggente, che sembra correre sulla mitraglia, è più bello della Vittoria di Samotracia."

Tag: speed

About cars and museums

There are so much beautiful classic cars in the world… Cars that worth millions of dollars, cars that are so beautiful that are now considered works of art, cars that hit the road no more than an hour per year.

The greatest parts of the Bugattis, the Rolls Royces, the Isotta Fraschinis are never really driven. They do nothing except show their exceptionality in some Concours of Elegance, in the museums or at some selected event.

But cars aren’t made for stand still. Cars are made for the Peking to Paris, the London-Edimburgh, the Flying Scotsman.

Or for some fun in the middle of a field.

 

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Les bêtes sauvages

Porsche 911 (930) 1975

Antonio Ligabue “Leopardo assalito da un Serpente” 1955-1956

10,000 Views

I would like to thank you all for this wonderful achievement!

I hope this blog will continue to grow in an ever more interesting way in the next months.

Thank you so much!

 

(1934 Voisin C-25 Aerodyne Best of Show at Pebble Beach 2011)

Thoroughbreds in British Racing Green

Aston Martin DB3S 1953

Les Belles Endormies

Pablo Picasso, “Jeune Fille Endormie”, 1935

1964 Condor Aguzzoli

“[…] To die, to sleep
No more; and by a sleep, to say we end
The Heart-ache, and the thousand Natural shocks
That Flesh is heir to? ‘Tis a consummation
Devoutly to be wished. To die to sleep,
To sleep, perchance to Dream; Aye, there’s the rub,
For in that sleep of death, what dreams may come
When we have shuffled off this mortal coil
Must give us pause.[…]”

W. Shakespeare

(The Condor Aguzzoli number 2/2 has lied for years hidden in pieces in a workshop in the provinces before being bought and reassembled)

Rain, steam, leaves, motor oil, noise, speed

William Turner, “Rain, Steam and Speed-The Great Western Railway”, 1844, oil on canvas, 91×121,8 cm

Mercedes-Benz W25 1934

Jaguar E-Type, Francisco Goya “Maya Desnuda”

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More than the voluptuous curves and the nudity shown without any veil, is the expression of their face the most powerful intermediary of the sensuality of the two unique protagonists of this post.
The Maya Desnuda leaves us no doubt, her direct and penetrating gaze is both an invitation and a challenge, and of course the implicit assertion of her sensuality. Goya did not need to hide the unbridled physicality of his subject with mythological reasons or biblical stories: she’s simply a beautiful woman who invites us to enjoy the beauty of her body.
Body not really perfect, and that does not exhibit neither the marble features of certain ideals models nor the impeccable and cold proportions of many other subjects. We sense it beating however, perceive the blood flowing and a real breath, behind the motionless appearance of the painted color.
This is the spell of a painting: deceive us at least for a while, making real the projections of the artist, who creates characters that we will remember in years feeling to know them personally.
Similarly, the Jaguar E-Type has risen over the years to sports car icon, and so, after countless appearances in films, events, and even comics (of course, “Diabolik”), is very difficult to find someone who does not know.
A sports car, fast enough (240 km/h), of stunning beauty, which reused classical proportions born decades before, fusing them into an harmonious corpus smooth like a river stone, at a price quite acceptable (around 2200 pounds in 1961): this is the recipe that made the E-Type an incredible success.
After 13 years of life of the beautiful XK series, they needed something that would stylistically depart, creating an accessible dream that could compete with the most noble GranTurismo of the time, Ferrari, Maserati, Aston Martin: and then here is the smooth and polished body of the E, whose proportions follow and yet revolutionize the classical structure of a sports car.
Kilometric hood and interior reduced to minimum terms, which ends by merging into a pointed and thin tail structure on which stands out the dry, muscular rear fender; so you could synthesize the E-type, whose first series is so successful to oblige even Enzo Ferrari to define it “the most beautiful car ever built”.
The compositive elegance of the Jaguar, however, comes from a stylistic imbalance: almost inconceivable, except in certain ’30s creations (already used as models for the XK120) such a difference in proportions between hood and cabin, highlighted by the reduced height of the car.
The stylistic ancestor of the E-type is the D-type, a pure racing car produced in nearly fifty specimens that exhibited, in addition to the striking rear stabilizer fin, also soft and curve lines similar to that of the E-type.
The D-type, however, give birth also to the splendid XKSS, sports car adapted to the road that will be chosen, among others, by Steve McQueen.
There will be three series of the E-type, of which the most beautiful is undoubtedly the first; as often happens, is the most uncomfortable and least suited to everyday life, but the purity of its lines is undeniable.
The adoption of Plexiglas covers on the headlights, its unique feature (will be removed in two subsequent series), only increases the aereodynamics effect of the car (which actually in the wind tunnel proved to be less efficient than a Renault R4).
Car notoriously difficult to drive, especially on wet, the E-type manages to find, in his 14 years of life, an important place also in competitions, thanks to Lightweight (12 units, aluminum body, 350 hp) and Low Drag versions(2 examples, 975 kg, 270 km/h, one of which, called “Lindner-Nocker” from the names of the pilots who took it in race, suffered a serious accident in 1964 that killed, beyond the same Lindner, four other people; has been rebuilt in time for the 2011 celebrations for the fiftieth anniversary of model, with a significant effort to salvage the original parts).
The E-type second and third series shows a less pure design, with added chrome and, above all, in 1971, a new V12 engine.
Will be replaced by the XJ-S, which will fail to arouse the unanimous approval of the E-type, but will remain in production for 21 years.
La Maya Desnuda was commissioned to Goya between 1790 and 1800, probably by the Spanish politician Manuel Godoy; some interpretations suggested it represented the intrepid Duchess of Alba, historical lover of the painter, but appear unfounded.
More likely the subject is the lover of the same Godoy, portrayed by the Spanish master in two versions created to superimpose: the version vestida, more decent, more quiet, was the one to exhibit every day, but at the right time would have left to admire the desnuda, the image of disturbing sensuality clearly direct to delight the eye of the owner and of a few other elected.
It’s a woman of minute but extremely harmonic proportions, whose body designed by sensual and rich curves howewer lacks of the natural elegance of certain other representations (Titian, Velázquez). Is the beautiful subject of the picture of a great artist, of course, and then an undeniable aesthetic model, and yet, to its accessible nature, just like the E-type, owes the loss of the status of dream, which necessarily involves the unreachability.
However, despite this little stain, the Maya Desnuda is a beautiful painting, where the strict technical skill of who painted the unmade bed linen and the lace of the pillows doesn’t add unnatural harshness, a painting in which just the expression of the face alone, direct and sly, succeeded in crossing the limits of the mere decorative representation, giving a deeper meaning to what would otherwise be only the whim of a rich collector, and giving the Maya a role that makes her innovative, since she needs no justifications for her sensuality.

The Jaguar E-Type has been produced in nearly 70,000 exemplars from 1961 to 1975, included the spider version.
“La Maya Desnuda”, 1790/1800, oil on canvas, is now at the Museo del Prado, Madrid.

***

Più che le curve voluttuose e la nudità esibita senza alcun velo, è l’espressione del volto il più potente tramite della sensualità delle due inconfondibili protagoniste di questo post.
La Maya Desnuda non ci lascia alcun dubbio, il suo sguardo diretto e penetrante è insieme un invito ed una sfida, ed ovviamente l’implicita affermazione della propria sensualità. Goya non ha bisogno di nascondere la prorompente fisicità del suo soggetto con motivazioni mitologiche o storie bibliche: è semplicemente una bella donna che ci invita a godere della bellezza del suo corpo.
Corpo in realtà non perfetto, e che non esibisce né le marmoree fattezze di certi modelli ideali né le impeccabili e gelide proporzioni di molti altri soggetti. Lo intuiamo invece pulsare, percepiamo il sangue scorrere ed un reale respiro, dietro l’apparenza immobile del colore dipinto.
Questo l’incantesimo di un quadro: ingannarci almeno per un istante, rendere reali le proiezioni dell’artista, che crea personaggi che ricorderemo negli anni sentendo di conoscerli personalmente.
Ugualmente, la Jaguar E-Type è negli anni assurta ad icona dell’auto sportiva, tanto che dopo innumerevoli apparizioni in film, eventi, e perfino fumetti (ovviamente, “Diabolik”), è ben difficile trovare qualcuno che non la conosca.
Un’auto sportiva, veloce quanto basta (240 km/h), di una bellezza sconvolgente, che riutilizzava classiche proporzioni nate decenni prima, fondendole in un corpus armonico e levigato come un sasso di fiume, ad un prezzo tutto sommato accettabile (intorno alle 2200 sterline nel 1961): questa la ricetta che ha fatto della E-Type un successo incredibile.
Dopo 13 anni di vita della bellissima serie XK, serviva qualcosa che se ne allontanasse stilisticamente, creando un sogno accessibile che potesse competere con le più blasonate GranTurismo in vendita all’epoca, Ferrari, Maserati, Aston Martin: ed allora ecco il corpo liscio e levigato della E, le cui proporzioni seguono e tuttavia rivoluzionano l’impianto classico dell’auto sportiva.
Cofano chilometrico ed abitacolo ridotto ai minimi termini, che termina fondendosi in una coda appuntita e sottile sulla quale spicca la struttura secca e muscolosa del parafango posteriore; si potrebbe sintetizzare così la E-type, la cui prima serie è talmente riuscita da obbligare perfino Enzo Ferrari a definirla “l’automobile più bella mai costruita”.
L’eleganza compositiva della Jaguar deriva tuttavia da uno squilibrio stilistico: quasi inconcepibile, se non in certe creazioni anni ’30 (già prese a modello per la XK120) una simile differenza di proporzioni fra cofano ed abitacolo, enfatizzata dalla ridotta altezza dell’automobile.
La progenitrice stilistica della E-type è la D-type, un’auto strettamente da corsa prodotta in una cinquantina di esemplari che esibiva, oltre alla vistosa pinna stabilizzatrice posteriore, anche linee morbide e curve come la E-type.
La D-type darà peraltro i natali anche alla splendida XKSS, auto sportiva adattata alla strada che verrà scelta, fra gli altri, da Steve Mc Queen.
Nascono tre serie della E-type, delle quali la più bella è indiscutibilmente la prima; come spesso avviene, è la più scomoda e la meno adatta alla vita di ogni giorno, ma la purezza delle sue linee è innegabile. L’adozione di carene di plexiglas sui fari anteriori, sua caratteristica esclusiva (verranno infatti eliminate nelle due serie successive), non fa che accrescere l’effetto di aereodinamicità dell’auto (che in realtà in galleria del vento si dimostra meno efficace di una Renault R4).
Auto notoriamente non facile da guidare, specialmente sul bagnato, la E-type riesce a ritagliarsi, nei suoi 14 anni di vita, un posto di rilievo anche nelle competizioni, grazie soprattutto alle versioni Lightweight (12 esemplari, carrozzeria in alluminio, 350 CV) e Low Drag (2 esemplari, 975 kg, 270 Km/h, uno dei quali, detto “Lindner-Nocker” dai nomi dei piloti che la portarono in gara, soffrì un grave incidente nel 1964 in cui persero la vita oltre allo stesso Lindner, altre quattro persone; è stata ricostruita in tempo per i festeggiamenti del 2011 per i cinquant’anni del modello, con un importante lavoro di recupero delle parti originali).
La E-type seconda e terza serie mostrano un design meno puro, con aggiunta di cromature e soprattutto, nel 1971, di un nuovo motore V12.
Verrà sostituita dalla XJ-S, che non riuscirà a suscitare gli unanimi consensi della E-type, ma resterà comunque in produzione per 21 anni.
La Maya Desnuda viene commissionata a Goya fra il 1790 e il 1800 probabilmente dal politico spagnolo Manuel Godoy; alcune interpretazioni suggerivano rappresentasse la intrepida Duchessa d’Alba, storica amante del pittore, ma appaiono prive di fondamento. Più probabilmente il soggetto è l’amante dello stesso Godoy, ritratta dal maestro spagnolo in una doppia versione nata per sovrapporsi: la versione vestida, più decente, più tranquilla, era quella da esporre ogni giorno, ma al momento opportuno avrebbe lasciato ammirare la desnuda, immagine di conturbante sensualità diretta evidentemente  a deliziare l’occhio del proprietario e di pochi altri eletti.
E’ una donna di proporzioni minute ma estremamente armoniche, il cui corpo disegnato da curve sensuali e ricche è privo però della naturale eleganza di certe altre rappresentazioni (Tiziano, Velázquez). E’ il bellissimo soggetto del quadro di un grande artista, certo, quindi un modello estetico indiscutibile, e tuttavia, proprio alla sua natura accessibile, tangibile, reale, esattamente come la E-type, deve la perdita dello status di sogno, che implica necessariamente l’inarrivabilità.
Tuttavia, nonostante questa macchia sottile, la Maya Desnuda è un quadro bellissimo, cui la ferrea perizia tecnica di chi ha dipinto le lenzuola sfatte ed i pizzi dei cuscini non aggiunge alcuna durezza innaturale, un quadro in cui da sola l’espressione del volto, diretta e sorniona, riesce a far attraversare i limiti della mera rappresentazione decorativa, dando un senso più profondo a quello che sarebbe altrimenti soltanto il capriccio di un ricco collezionista, e dando alla Maya un ruolo che la rende innovativa, in quanto priva di ogni bisogno di giustificazione per la propria sensualità.

La Jaguar E-type è stata prodotta in circa 70,000 esemplari dal 1961 al 1975, inclusa la versione spider.
“La Maya Desnuda”, 1790/1800, olio su tela, è ora al Museo del Prado, Madrid.

Bugatti Type 57 Aérolithe, Yves Klein “IKB-54” 1957

Mythology portrays him as a horse with large folded white wings, of divine nature.
After having made possible the feat of Bellerophon and created springs (including the Hippocrene, on Mount Helicon, home of the Muses), Pegasus, born from Medusa’s blood, reached its final place in the night sky, breaking up in a silver cloud of stellar lapillis, creating the constellation that bears his name.
Impossible to imagine a more suggestive genesis for what, after all, is a cluster of hydrogen, helium and metals; and yet the celestial points that pierce the night sky have always excited the curiosity and the human imagination. From Ancient Greece to Hubble telescope, the sky has always been the object of the ravished observation of a man anxious to get closer to the immaterial beauty of his projections.
And then Aérolithe: air stone, meteorite. Hard to find a most powerful iconology for a car that, with its disruptive diversity, in 1935 is a bolt from the blue (to stay in the rarefied celestial atmosphere); comes from the striking intuitions of Jean Bugatti, son of Hector, which translate the flamboyant style of contemporaries Delahaye and Talbot-Lago in a dress that despite its eccentric beauty cedes nothing to coy and nothing loses in rigor.
And is undeniable the connection with the works of Yves Klein: the comet with the magnesium dress comes straight from the blue of the empty space of the French monochrome, representation of the absolute and immaterial.
Blue are the veils of the Christian Madonnas, blue are the dark depths of the sea where the unknown reigns, several meters under the soothing surface of the waves, blue the twilight sky.
And blue, completely blue, absolutely blue, only blue, are the most famous works of Yves Klein.
Artist with a vocation to the absolute in love with the immaterial and the penetrating intensity of the void, Yves Klein makes of the vibrant intensity of a sacred and distressing color the ultimate (but not unique) goal of his own artistic pursuits.
Initially his art shows great monochrome surfaces (red, orange, gold) which according to the artist does not need any visual integration, as already perfectly clear and full of meaning; from this initial revelation ( the color expresses something already by itself ), born the blue works.
In the attempt to give back on the canvas the experience of pure pigment Klein discovered a synthetic resin that does not alter the appearance of the color, returning it absolutely faithfully and completely lacking in nuances (which, having each its own personality, would have altered the message of the work); is the beginning of the ‘”blue Age”.
The bright but deep ultramarine blue of his paintings is an invention of the artist: after a year of experiments and attempts he will arrive to the perfect result, that he will immediately patent, to avoid “the authenticity of pure idea” could be changed.
Color that has experienced mixed fortunes in art history in very different meanings over the centuries, Yves Klein’s blue (indeed, the “International Klein Blue”, IKB) ambitiously represents the absolute and stands as the incarnation of both sky and sea, dimensionless and intangible essence of something that is beyond our capacity of understanding.
Yves Klein was deeply fascinated by the void (famous is the picture of the jump, with the void, full powers), and the blue is its natural extension: it is not hard to see the paintings as windows open onto a world intangible and glittering with tiny stars, an unreal night sky populated by the fantastic creatures of ancient planetariums. Dog, Lybra, Big Dipper, are just some of the fanciful interpretations that man has given the overwhelming wonder of the night, celestial spheres illuminated by flashes of comets, meteors, planets light years away and trails of stardust, abode of the Gods and then home of a more Christian Heaven.
And if in the ancient world was the horse Pegasus the most royal means of transportation that connected the clouds to the Earth, in 1935 the Bugatti Aerolithe becomes the worthy successor.
Each Bugatti is an extraordinary creature, but the Aérolithe deserves a place of honor in the dazzling gallery of Molsheim, even for being mother of the extraordinary Atlantic.
Jean Bugatti designs, on the chassis of the 57, an object that has little to do with the other cars, and that really seems alien as a meteor crashed from another dimension; he chooses to create it in an aeronautical alloy of magnesium, aluminum, zinc and copper, the Elektron, who is at his first (and last) use in the automotive field, and which makes possible an extreme reduction in weight, at the cost of high flammability and the inability of traditional welding.
The remedy is the realization of the body in two shells that must be assembled using rivets and that require the large fin that runs through the car from the radiator to tail lights.
But the trick works perfectly, and thanks to the engine of 3257 cubic centimeters and 170 hp with the single Stromberg, the Aérolithe caresses the 200 km/h, fully deserving the thin silver lines that adorn the side vents of the radiator, suggesting the silvery tail of a comet.
Painted in an unusual pale and slightly iridescent silver-green, the Aérolithe doesn’t betray the expectations and really looks like a celestial body.
Otherworldly and beautiful, is yet another symphony of smooth curves that go straight to the small, classic horseshoe radiator.
There is no trace of the impressiveness of many pre-war cars, the car’s body floats light as if it doesn’t touch the ground, once again celebrating the absolute beauty that can come from the ability of a man.
Has not survived, probably ending to donate parts to another car, but we like to think that it is evaporated in a cloud of smoke to reach its young creator, died a few years later, to the place they belonged.
Exactly, the sky.

Jean Bugatti died August 11, 1939, at thirty years, during a test of the race car Type 57 “Tank”, winner at Le Mans.
Yves Klein died June 6, 1962, at thirty-four years, of infarct.
“IKB 54”, 1957, porcelain plate, diameter 24 cm, belongs to a private collection.

***

La mitologia lo ritrae come un cavallo candido con grandi ali ripiegate, di natura divina.
Dopo aver reso possibile l’impresa di Bellerofonte e creato sorgenti (fra cui l’Ippocrene, sul monte Elicona, casa delle Muse), Pegaso, nato dal sangue di Medusa, raggiunse la propria definitiva collocazione nel cielo notturno, scomponendosi in una nube argentea di lapilli stellari, creando la costellazione che porta il suo nome.
Impossibile immaginare una genesi più suggestiva per quello che, in fondo, è un agglomerato di idrogeno, elio e metalli; eppure i punti celesti che bucano il cielo notturno hanno eccitato la curiosità e l’immaginazione umana da sempre. Dall’antica Grecia al telescopio Hubble, il cielo è stato sempre oggetto di osservazione rapita da parte dell’uomo, ansioso di avvicinarsi all’immateriale bellezza delle proprie proiezioni.
Ed allora Aérolithe: pietra d’aria, meteorite. Difficile trovare un’iconologia più potente per un’auto che, con la sua dirompente diversità, nel 1935 è un fulmine a ciel sereno (per restare nella rarefatta atmosfera celeste); nasce dalle folgoranti intuizioni di Jean Bugatti, figlio di Ettore, che traducono lo stile flamboyant delle contemporanee Talbot-Lago e Delahaye in un vestito che pur nella sua eccentrica bellezza nulla cede al lezioso e nulla perde in rigore.
E innegabile è il collegamento con le opere di Yves Klein: la cometa dal vestito di magnesio arriva direttamente dal blu dello spazio vuoto del monocromatico francese, rappresentazione dell’assoluto e dell’immateriale.
Blu sono i veli delle Madonne cristiane, blu è l’oscura profondità del mare in cui regna l’ignoto, metri e metri sotto la rassicurante superficie delle onde, blu il cielo del crepuscolo.
E blu, completamente blu, assolutamente blu, soltanto blu, sono le opere più famose di Yves Klein.
Artista con vocazione all’assoluto innamorato dell’immateriale e della penetrante intensità del vuoto, Yves Klein fa della vibrante intensità di un colore sacro ed angosciante lo scopo ultimo (ma non unico) della propria ricerca artistica.
Inizialmente la sua pittura propone grandi campiture monocrome (rosse, arancioni, dorate) che secondo l’artista non necessitano di alcuna integrazione visiva, in quanto già perfettamente chiare e piene di significato; da questa iniziale rivelazione (il colore esprime qualcosa già di per sé) nascono le opere blu.
Nel tentativo di fissare sulla tela l’esperienza del pigmento puro Klein scopre una resina sintetica che non altera l’apparenza del colore, restituendolo in modo assolutamente fedele e completamente privo di sfumature (che, essendo dotate ognuna di personalità propria, avrebbero alterato il messaggio dell’opera): è l’inizio dell'”Epoca blu”.
Il blu oltremare luminoso eppure profondissimo dei suoi quadri è una sua personale invenzione: dopo un anno di esperimenti e tentativi l’artista arriverà al risultato perfetto, che immediatamente brevetterà, onde evitare che “l’autenticità dell’idea pura” venga modificata. Colore che ha sperimentato in storia dell’arte alterne fortune sotto significati molto diversi nei secoli, il blu di Yves Klein (anzi, l'”International Klein Blue”, IKB) rappresenta ambiziosamente l’assoluto e si pone come incarnazione contemporaneamente di cielo e mare, essenza adimensionale ed intangibile di qualcosa che è oltre la nostra capacità di comprensione.
Yves Klein era profondamente affascinato dal vuoto (celebre la sua foto del salto, with the void, full powers); ed il blu ne è la naturale estensione: non è difficile immaginare le tele come finestre spalancate su un mondo immateriale e rilucente di stelle minuscole, un cielo notturno irreale e popolato delle creature fantastiche dei planetari d’altri tempi.
Cane, Lybra, Grande Carro, sono solo alcune delle fantasiose interpretazioni che l’uomo ha dato alla soverchiante meraviglia della notte; sfere celesti illuminate a lampi da comete, meteore, pianeti lontani anni luce e scie di polvere di stelle, dimora degli Dei e poi sede del più Cristiano Paradiso.
E se nel mondo antico era il cavallo Pegaso il più regale mezzo di trasporto che congiungeva le nubi alla Terra, nel 1935 la Bugatti Aerolithe ne diventa il degno successore.
Ogni Bugatti è una creatura straordinaria, ma la Aérolithe merita un posto d’onore nella folgorante galleria di Molsheïm, se non altro in quanto madre della straordinaria Atlantic.
Jean Bugatti concepisce, sul telaio della 57, un oggetto che poco ha a che spartire con le altre automobili e che veramente sembra aliena quanto una meteora precipitata da un’altra dimensione; sceglie di crearla in una lega aeronautica di magnesio, alluminio, zinco e rame, l’Elektron, che è al suo primo (ed ultimo) impiego in campo automobilistico, e che rende possibile un estremo contenimento del peso, a prezzo di un’elevata infiammabilità e dell’impossibilità di saldature tradizionali.
Il rimedio è la realizzazione della carrozzeria in due gusci da assemblare tramite rivettatura, che rende obbligatoria la grande pinna che la attraversa dal radiatore alle luci di coda.
Ma l’espediente funziona perfettamente, e grazie al motore di 3257 cm cubici e 170 CV con singolo Stromberg la Aérolithe accarezza i 200 km/h, meritando a pieno titolo le sottili linee argentate che ne abbelliscono le prese d’aria laterali del radiatore, e che suggeriscono l’argentea coda d’una cometa.
Verniciata in un inedito chiarissimo verde-argentato leggermente cangiante, la Aérolithe non tradisce le aspettative e somiglia davvero ad un corpo celeste.
Ultraterrena e bellissima, è l’ennesima sinfonia di morbide curve che si allungano fino al piccolo, classico, radiatore a ferro di cavallo.
Non c’è traccia dell’imponenza di molte auto anteguerra, il corpo dell’automobile fluttua leggero come se non toccasse terra, celebrando ancora una volta l’assoluta bellezza in grado di nascere dalle capacità di un uomo.
Non è sopravvissuta, finendo probabilmente per donare parti ad un’altra automobile, ma ci piace pensare che sia evaporata in una nube di fumo per raggiungere il suo giovane creatore, morto pochi anni dopo, nel luogo cui entrambi appartengono.
Appunto, il cielo.

Jean Bugatti morirà l’11 Agosto 1939, a trent’anni, alla guida dell’auto da corsa Type 57 “Tank”, vincitrice a Le Mans.
Yves Klein muore il 6 Giugno 1962, a trentaquattro anni, stroncato da un infarto.
“IKB 54”, 1957, piatto di porcellana, diametro 24 cm, appartiene ad una collezione privata.

Cadillac Eldorado Seville 1959, Wayne Thiebaud “Cakes” 1963

The Coca-Cola, the cowboys, the Statue of Liberty, the Cadillac.
The American car culture (at least until the beginning of the energy crisis) is very different from that in Europe: far from from the dragonflies of the old continent, American cars make of the impressive size, of the gleaming chrome and of the superpanoramic windshields their raison d’être, and for more than a decade, overseas Manufacturer challenge with higher and higher back fins, increasingly eccentric lights, and interior colors more and more improbable.
These are huge cars, for the European standard, loaded with chrome (and the fashion will reach, sweetened up, Europe) and by the bizarre details, with large curved glass surfaces and rear fins that explicitly mention fighter jets (one for all the famous P38 Lightning) and suspension as soft as butter.
Performance are not important, but if speed should be, is the pure and meaningless one of Salt Flats, the straight and unreal speed of world records, where maneuverability and handling are terms with little sense.
In the America glittering of dreams of the 1959 the Eldorado Seville finds its natural habitat; borns as an evolution of the most luxurious model offered by General Motors, along with sisters Biarritz, and Brougham, convertible and sedan respectively.
The first Eldorado is a special convertible version of the Series 62, born in 1953, whose two successive series, updated nearly every two years, as often happened in the United States, will maintain a quite soft line characterized by rear “shark” fins and front “bullet” bumpers in black rubber.
In 1959 the design of the Eldorado definitely changes: although not having still assumed the taut and sharp lines that will belong her since 1961, for only two years the symbol of luxury made in the USA takes a form of incredible stylistic equilibrium, a balance between the Fifties softness of the first three series and the edges it will then acquire.
Obviously, the term “stylistic balance” here takes a meaning far from the European one: the visual equilibrium of the Eldorado is built on an exaggerated aesthetic, where the ultimate goal is a bombastic (and a bit childish) fair glitz.
It’s a car full of optimism, a toy of five-and-half meters by pastel colors like those of fruit bubble-gum, with rear fins that widely mention even toys, rockets that light up ringing at the press of a button.
The Eldorado however orbits in a different space from the heavenly world explored by the metaphysical creations of Jean Bugatti: so much that is rarefied and incorruptible, so this is noisy and cheerful, populated by cartoon characters dressed in sequins with weird slicked back hairstyles.
It’s the glossy world of Hollywood and “Life”, where it’s always sunny, blond children play without getting dirty and always attractive women prepare cupcakes in kitchens where triumphant streamline refrigerators stand out.
And it’s this contemporary and vaguely pop aesthethics, which draws a lot from the American Dream (or at least from its myth) the subject of works by Thiebaud.
In most of his paintings he depicts cakes, pastries, toys and lipsticks, and even in those few landscapes that dot here and there its production the elements of nature assume unreal colors and the texture of gummy candies; the emphasis is obviously on mass society and its fetishes, but in a cheerful and reassuring way, free from the implied worries and the sardonic criticism of his contemporaries.
Thiebaud worked for several years in the food industry, the world from which he visibly borrowed many subjects, painting them with great realism in settings usually bare that in any way distract attention from their symbolic and decorative value; in “Cakes” of 1963 (which shares the title with many other works by the artist) the color is stratified conveying in an absolutely hyperrealistic style the decorating of the cakes: whipping cream, cream, sugar and chocolate beyond realism to enter directly into reality, we can almost feel the scent, and the perfect and incorruptible appearance does not flake or melt even under the sun which floods the picture.
Thiebaud represents the quiet, reassuring window of a bakery, implying an existence which, though fragile and ephemeral, it’s sweet and soft as a freshly baked cake; if the Eldorado is an almost cartoonish roaring swirl of lights and colors, Thiebaud’s cakes are the tangible image of a dream: too perfect to be true, they show the lovely side of American society, while reminding us, with the exquisite uniqueness of their realization, that they’re just cakes.

The Cadillac Eldorado was produced from 1953 to 2002, passing from the soft lines of 1954 to the angular style of the ’70s. The Eldorado Seville MY ’59-’60 was produced in 2050 examples.
It was powered by a V8 of 6391 cc and 345 bhp.
“Cakes” 1962 by Wayne Thiebaud, oil on canvas, 152.4 x 182.9 cm, is now at the National Gallery of Art, Washington.

***

La Coca Cola, i cowboys, la Statua della Libertà, la Cadillac.
La cultura dell’automobile in America (almeno fino all’inizio della crisi energetica) è profondamente diversa da quella europea: ben lontane dalle libellule del vecchio continente, le auto americane fanno delle dimensioni imponenti, delle cromature luccicanti e dei parabrezza superpanoramici la propria raison d’être, e per più d’un decennio le Case d’oltreoceano si sfidano a colpi di pinne posteriori sempre più alte, di luci sempre più eccentriche e di interni dai colori sempre più improbabili.
Sono auto enormi per lo standard europeo, cariche di cromature (e la moda arriverà, edulcorata, fino in Europa) e dai particolari bizzarri, con superfici vetrate ampie e curve, pinne posteriori che citano esplicitamente aerei da caccia (uno su tutti il celeberrimo P38 Lightning) e sospensioni morbide come burro.
Le prestazioni non sono importanti, ma se velocità dev’essere, è quella pura e priva di senso dei laghi salati, la velocità dritta ed irreale dei record del mondo, dove maneggevolezza ed handling sono termini con poco senso.
Nell’America sfavillante di sogni del 1959 la Eldorado Seville trova il suo habitat naturale; nasce come evoluzione del modello più lussuoso offerto dalla General Motors, insieme alle sorelle Biarritz e Brougham, rispettivamente cabriolet e berlina.
La prima Eldorado è una versione speciale convertibile della Series 62, nata nel 1953, le cui due serie successive, aggiornate con cadenza circa biennale come spesso accadeva negli Stati Uniti, manterranno una linea abbastanza morbida caratterizzata dalle pinne posteriori “a squalo” e dai respingenti anteriori “a pallottola” in gomma nera.
Nel 1959 il design della Eldorado cambia nettamente: pur non assumendo ancora le linee tese ed appuntite che le apparterranno dal 1961, per appena due anni il simbolo del lusso made in USA assume una forma di incredibile equilibrio stilistico, in bilico fra la morbidezza anni ’50 delle prime tre serie e gli spigoli che acquisirà poi.
Ovviamente, il termine “equilibrio stilistico” assume qui un significato molto lontano dall’accezione europea: l’equilibrio visivo della Eldorado è costruito su un’estetica esagerata in più di un senso, dove lo scopo ultimo è un roboante (e un po’ puerile) sfarzo da luna park.
È un’auto piena d’ottimismo, un giocattolo da cinque metri e mezzo dai colori pastello come quelli dei bubble-gum alla frutta, con pinne posteriori che citano ampiamente persino balocchi dell’epoca, i razzi luminosi che s’accendono suonando al premere d’un bottone.
La Eldorado orbita però in uno spazio diverso dal mondo celeste esplorato dalle metafisiche creazioni di Jean Bugatti: tanto quello è rarefatto e incorruttibile, tanto questo è rumoroso e gaio, popolato da personaggi da cartone animato vestiti di lustrini e coi capelli impomatati in pettinature improbabili.
È il mondo patinato di Hollywood e “Life”, dove c’è sempre il sole, bambini biondi giocano senza sporcarsi e donne sempre attraenti preparano cupcakes in cucine dove svettano trionfanti frigoriferi streamline.
Ed è proprio quest’estetica contemporanea e vagamente pop, che molto attinge dall’American Dream (o perlomeno dal suo mito) il soggetto delle opere di Thiebaud.
Nella maggior parte dei suoi quadri ritrae torte, pasticcini, giocattoli e rossetti, e perfino in quei pochi paesaggi che punteggiano qua e là la sua produzione gli elementi della natura assumono colori irreali e la consistenza gommosa di caramelle; l’accento è posto ovviamente sulla società di massa e sui suoi feticci, ma in un modo gaio e rassicurante, privo delle sottintese inquietudini e della sardonica critica di altri suoi contemporanei.
Thiebaud ha lavorato per diversi anni nell’industria alimentare, ambiente dal quale ha visibilmente mutuato molti soggetti, dipingendoli con forte realismo in ambientazioni solitamente scarne che in alcun modo distolgono l’attenzione dal loro valore simbolico e decorativo; in “Cakes” del 1963 (che condivide il titolo con molte altre opere dell’artista) il colore si stratifica rendendo in stile assolutamente iperrealista la decorazione delle torte: crema, panna, zucchero e cioccolato superano il realismo per entrare direttamente nella realtà, riusciamo a sentirne quasi il profumo, e la perfetta incorruttibile apparenza non si sfalda né si scioglie nemmeno sotto il sole che inonda il quadro.
Thiebaud rappresenta la quieta e rassicurante vetrina di una pasticceria, sottintendendo un’esistenza che, seppure fragile ed effimera, è dolce e soffice come una torta appena sfornata; se la Eldorado è una scoppiettante girandola di luci e colori quasi da fumetto, le torte di Thiebaud sono il tangibile simulacro di un sogno: troppo perfette per essere vere, mostrano comunque il lato delizioso della società americana, ricordandoci nel contempo, con la squisita eccezionalità della loro realizzazione, che sono soltanto torte.

La Cadillac Eldorado è stata prodotta dal 1953 al 2002 passando dalle linee morbide del 1954 allo stile spigoloso degli anni ’70. La Eldorado Seville MY ’59-’60 è stata prodotta in 2050 esemplari.
Era motorizzata da un V8 di 6391 cc e 345 CV.
“Cakes” 1962 di Wayne Thiebaud, olio su tela, 152.4 x 182.9 cm, è ora alla National Gallery of Art, Washington.

In memory of Lucio Dalla, great classic cars enthusiast (Bologna, 4 marzo 1943 – Montreux, 1º marzo 2012)

Nuvolari è basso di statura, Nuvolari è al di sotto del normale
Nuvolari ha cinquanta chili d’ossa Nuvolari ha un corpo eccezionale
Nuvolari ha le mani come artigli,
Nuvolari ha un talismano contro i mali
Il suo sguardo è di un falco per i figli,
i suoi muscoli sono muscoli eccezionali!

Gli uccelli nell’aria perdono l’ali quando passa Nuvolari!
Quando corre Nuvolari mette paura…
perché il motore è feroce mentre taglia ruggendo la pianura
Gli alberi della strada
strisciano sulla piana,
sui muri cocci di bottiglia
si sciolgono come poltiglia,
tutta la polvere è spazzata via!

Quando corre Nuvolari, quando passa Nuvolari,
la gente arriva in mucchio e si stende sui prati,
quando corre Nuvolari, quando passa Nuvolari,
la gente aspetta il suo arrivo per ore e ore
e finalmente quando sente il rumore
salta in piedi e lo saluta con la mano,
gli grida parole d’amore,
e lo guarda scomparire
come guarda un soldato a cavallo,
a cavallo nel cielo di Aprile!

Nuvolari è bruno di colore, Nuvolari ha la maschera tagliente
Nuvolari ha la bocca sempre chiusa, di morire non gli importa niente…
Corre se piove, corre dentro al sole
Tre più tre per lui fa sempre sette
Con l’ Alfa rossa fa quello che vuole
dentro al fuoco di cento saette!
C’è sempre un numero in più nel destino quando corre Nuvolari…

Quando passa Nuvolari ognuno sente il suo cuore è vicino
In gara Verona è davanti a Corvino
con un tempo d’inferno,
acqua, grandine e vento
pericolo di uscire di strada,
ad ogni giro un inferno
ma sbanda striscia è schiacciato
lo raccolgono quasi spacciato!

Ma Nuvolari rinasce come rinasce il ramarro
batte Varzi, Campari,
Borzacchini e Fagioli
Brilli-Peri
e Ascari…