Classic cars & art

"Un automobile da corsa col suo cofano adorno di grossi tubi simili a serpenti dall'alito esplosivo… un automobile ruggente, che sembra correre sulla mitraglia, è più bello della Vittoria di Samotracia."

Category: Lamborghini

Lamborghini Countach, Pablo Picasso: “Les demoiselles d’Avignon”

image

image

There are silent revolutions: epochal changes that slip away quietly and never come out from the shadow, satisfied to change our lives without being noticed.
The Lamborghini Countach isn’t one of them.
It demands to be noticed, shouts its presence, is proud of its exaggeration.
Even “Les Demoiselles d’Avignon” by Picasso does nothing to hide its differences, leaving aside the beauty while to shake the viewer.
The Countach made ​​its debut in 1971 with a prototype of the same name presented at the Geneva Motor Show and ends his career in 1990, mantaining for twenty years (with minor changes that improve its aerodynamics, however inefficient) the same extraterrestrial line: if the Miura has the same proportions of the Venus de Milo, the Countach doesn’t care to be perfect.
It is enough to be the embodiment of innovation, and it succeeds perfectly.
Low, wide, bright-coloured, light years away from the classic image of a car, it’s an abstraction, the continuation of an argument, the airfoil profile, began several years earlier with the Stratos Zero prototype designed by the same Marcello Gandini.
The Countach is a sculpture-like mental creation, it serves to shake, to wake us up from numbness, doesn’t want to be reassuring, but to be the emblem of change, forces us to abandon the usual path to project directly into the future, and represents therefore the birth of the modern automobile.
In its first incarnation, the purest, is free of any aerodynamic appendix, exhibits smooth and uninterrupted surfaces, and immediately makes antiquated any other supercar: it’s an arpeggio of clean lines and sharp corners, a symphony of violent tension underlined by the roar of the V12 of 3929 cubic cm, 375 CV, which allows her to touch 290 km/h.
To tell the truth, is an imperfect object: is nearly undriveable, suffers from inadequate tires, doesn’t brakes as necessary, and visibility through the rear view mirror sticking out from a slit in the roof as a periscope is nonexistent.
But she has already conquered the world for its disconcerting beauty.
Even the chassis is a work of art: a multitude of tiny woven tubes dressed with riveted aluminum, steel and fiberglass.
The second version is instead almost perfect: while remaining challenging as it should be, is much friendlier car, benefits from general mechanical improvements including a major increase in size of the rear tires, therefore requiring the addition of moldings to the great wheelarches of the beautiful asymmetrical design, and of the brake discs, essential for driving at high speed.
The appearance changes drastically for the addition of aerodynamic appendixes: it is less purely conceptual, but expresses all its wild character, thanks to the classic rear wing (which actually slows it down, acting as a brake) and the swollen and muscular arches.
The next evolution, LP 5000 Quattrovalvole, represents the state of art before the Twenty-fifth Anniversary, which unnecessarily weighs the line with thin air intakes, preparing to leave the scene and giving way to the Diablo, that will fail to make it outdated.
If the Countach is a furious thunderbolt with a sulphureous character, “Les Demoiselles d’Avignon” is no less wild nor less brutal.
Five prostitutes in a brothel.
It’s all one of the most revolutionary paintings in art history.
Starting from the indecent subject, comparable to Manet’s Olympia boldness, she too disorienting , she too free from classical beauty, she too pervaded by a subtle vulgarity.
But these are real women, each of them is a fracture and a departure from the old concept of art, in a crescendo that is free from the pursuit of beauty and draws from the Fauvist repertoire for unreal colors, deformed features, altered perspectives.
They’re primitive masks with a triangular nose and an angular body fixing the viewer with empty and circled eyes (he is the client for whom they are shown, instead present in early versions of this painting), but their raison d’etre does not ends with simple exoticism, these five women with burned colors subvert the relationship between spaces and volumes rejecting centuries of careful composition and tension to the likelihood, allow the viewer to see them through several points of view summarized in the same body, stand there still and expressionless as African masks, according to the incipient taste for symbolist syntheticism started by Gauguin and later developed by Picasso, of course, and Modigliani.
But the big change is perhaps especially the overcome of the perspective for a two-dimensional representation, in the context of an initial decomposition of volume of the figure, of which we see advances in the work of Cezanne.
“Les Demoiselles d’Avignon” is then the first expression of the Cubist current of which Picasso is the promoter with Braque, and violently shows the effort to integrate its precedent course with the new expressive trend.
Whether the five women are the pretext for an exercise of interpenetration of solids and voids in solid angular sections that will be at the basis of Cubism, which represents the arrival of Picasso’s art to a reworking of Cézanne’s influences (clear in the still life in the bottom center), Matisse, Gauguin and El Greco, whether they are even drawing attention on the dark side of the sexuality, they certainly represent the emergence of the wild part, in a gradual crescendo that culminates in the denial of the two faces on the right, in the final liberation from the components of composition until then considered “necessary” for a painting, and a powerful reaffirmation of modernity from which art can no longer prescind.

The Lamborghini Countach takes its name from that in the Piedmontese dialect is an expression of astonishment.
“Les Demoiselles d’Avignon” is a 1907 oil on canvas, 243.9 × 233.7 cm now in the MOMA of New York.

***

Esistono rivoluzioni silenziose: cambiamenti epocali che scivolano via in sordina e non escono mai dal cono d’ombra, accontentandosi di cambiarci la vita senza essere notati.
La Lamborghini Countach non è una di queste.
Pretende di essere notata, grida la sua presenza, è fiera della propria esagerazione.
Anche “Les demoiselles d’Avignon” di Picasso non fa nulla per nascondere la propria diversità, lasciando da parte la bellezza pur di scuotere lo spettatore.
La Countach debutta nel 1971 con un prototipo omonimo presentato al Salone di Ginevra e conclude la propria carriera nel 1990, mantenendo per vent’anni (con marginali cambiamenti che ne migliorano l’aereodinamica comunque inefficiente) la stessa linea extraterrestre: se la Miura ha proporzioni da Venere di Milo la Countach non si cura di essere perfetta.
Le basta essere l’incarnazione dell’innovazione, e ci riesce perfettamente.
Bassa, larghissima, sgargiante, lontana anni luce dall’immagine classica dell’automobile, è più un’astrazione, la continuazione di un ragionamento, quello sul profilo alare, cominciato qualche anno prima dallo stesso Marcello Gandini col prototipo Stratos Zero.
La Countach è una creazione mentale al pari d’una scultura, serve a scuoterci, a svegliarci dal torpore, non vuole rassicurarci ma essere l’emblema del cambiamento, ci spinge ad abbandonare il sentiero consueto per proiettarci direttamente nel futuro, e rappresenta per questo la nascita dell’automobile moderna.
Nella sua prima incarnazione, la più pura, è priva di qualunque appendice aereodinamica, esibisce superfici lisce ed ininterrotte e rende immediatamente qualunque altra supercar un oggetto d’antiquariato: è un arpeggio di linee nette e spigoli vivi, una sinfonia di tensioni violente sottolineata dal rombo del V12 di 3929 cm cubici da 375 CV di potenza che le fa toccare i 290 km/h.
Per la verità, è un oggetto imperfetto: è quasi inguidabile, soffre di pneumatici inadatti, non frena quanto necessario, e la visibilità attraverso il retrovisore che spunta come un periscopio da una feritoia del tetto è inesistente.
Ma ha già conquistato tutti per la sua sconcertante bellezza.
Perfino il telaio è un’opera d’arte: una miriade di piccoli tubi intrecciati vestiti d’alluminio rivettato, acciaio e vetroresina.
La seconda versione è invece quasi perfetta: pur restando impegnativa com’è giusto che sia, è un’auto molto più amichevole, beneficia di generali migliorie meccaniche fra cui un importante aumento di dimensioni dei pneumatici posteriori, che richiedono quindi l’aggiunta di codolini ai grandi passaruota dallo splendido disegno asimmetrico, e dei dischi freno, fondamentale per la guida ad alta velocità.
L’aspetto cambia drasticamente per l’aggiunta delle appendici aereodinamiche: è meno puramente concettuale, ma esprime tutto il suo carattere selvaggio, grazie alla classica ala posteriore (che addirittura la rallenta, fungendo da freno) ed agli archi gonfi e muscolosi.
La successiva evoluzione, la LP 5000 Quattrovalvole, rappresenta lo stato dell’arte prima della Venticinquesimo Anniversario, che appesantisce inutilmente la linea di sottili prese d’aria, preparandola ad uscire di scena lasciando posto alla Diablo, che non riuscirà a farla dimenticare.
Se la Countach è una saetta furibonda dal carattere sulfureo, “Les demoiselles d’Avignon” non è meno selvaggio né meno brutale.
Cinque prostitute in un bordello.
È tutto qui uno dei quadri più rivoluzionari della storia dell’arte.
A partire dal soggetto indecente, paragonabile per audacia all’Olympia di Manet, anch’ella spiazzante, anch’ella priva di bellezza classica, anch’ella pervasa da una sottilissima volgarità.
Ma non sono vere donne, ognuna di esse è una frattura e un allontanamento dalla vecchia concezione dell’arte, in un crescendo che si libera dalla ricerca della bellezza ed attinge al repertorio Fauve per colori irreali, tratti deformi, prospettive alterate.
Sono maschere primitive dal naso triangolare e dal corpo spigoloso che fissano l’osservatore con occhi vacui e cerchiati (è lui il cliente per il quale sono lì in mostra, presente invece nelle prime versioni del quadro), ma la loro ragion d’essere non termina al semplice esotismo, queste cinque donne dai colori bruciati sovvertono i rapporti fra gli spazi ed i volumi rifiutando secoli di composizione attenta e tensione alla verosimiglianza, si lasciano guardare da più punti di vista riassunti nello stesso corpo, se ne stanno lì statiche e inespressive come maschere africane, secondo l’incipiente gusto per un sintetismo simbolista iniziato da Gauguin e sviluppato poi da Picasso, appunto, e Modigliani.
Ma la grande novità è forse soprattutto il superamento della   prospettiva per una rappresentazione bidimensionale, in un iniziale contesto di scomposizione volumetrica della figura, di cui vediamo le anticipazioni nell’opera di Cézanne.
“Les demoiselles d’Avignon” è allora la prima espressione della corrente Cubista di cui Picasso fu il promotore insieme a Braque, e mostra violentemente lo sforzo d’integrare il suo corso stilistico precedente alla nuova corrente espressiva.
Che le cinque donne siano il pretesto per un esercizio di compenetrazione di pieni e vuoti in spigolose sezioni solide che sarà poi alla base del Cubismo, che rappresentino l’arrivo dell’arte di Picasso ad una rielaborazione degli influssi di Cézanne (come non ricondurgli la natura morta in basso al centro?), Matisse, Gauguin ed El Greco, che richiamino l’attenzione perfino sull’aspetto oscuro della sessualità, certamente esse rappresentano l’emergere della componente selvaggia, in un crescendo progressivo che culmina nella negazione dei due volti a destra, nel definitivo affrancamento dalle componenti compositive fino ad allora considerate “necessarie” di un quadro, e in una potente riaffermazione di modernità dalla quale l’arte non potrà più prescindere.

La Lamborghini Countach deve il suo nome a quella che in dialetto piemontese è un’espressione di meraviglia.
“Les demoiselles d’Avignon” è un olio su tela del 1907 di 243,9×233,7 cm ora conservato al MOMA di New York.

Lamborghini Miura, Claude Monet: “Impression, soleil levant”

image image

At the 1965 Turin Motor Show, the object that generates the greatest interest is the prototype PT400 (composed only of the chassis and mechanical) of the new Lamborghini which is not yet known who will be given the task of designing the body.
At the first Impressionist exhibition of 1874 the painting “Impression, Soleil Levant” by Claude Monet encodes the term “Impressionism”, which, from a journalistically ironic and derogatory term, becomes the definition of the perhaps most important movement in the history of figurative art, the first real challenge to the until then prevailing classicism and the dozer to all the vanguards of the Twentieth century.
The Miura comes from a steel monocoque with lightening holes, and even if the V-12 engine of 60 degrees, 3.929 cc and 350 hp comes from the one (though frount-mounted) of the 400 Gt, the founder of the family, it has the pure freshness of true novelties, not only objects intended to leave a mark, but also to open a road that will be traveled extensively by those who will come later.
And, in fact, just to stay at Lamborghini, this at the time absolutely new formula (the centrally mounted engine) is still gloriously at the base of the new Aventador, the first, however, after more than forty years, to abandon the 12 cylinder of the 400, the Miura, the Countach, the Diablo and the Murciélago.
It is drawn by the twenty-five years-old Marcello Gandini, at the Carrozzeria Bertone, and he develops the project together with the peers Bob Wallace, Gianpaolo Dallara and Paolo Stanzani.
The project, at least in its first embodiment, is not free from the flaws of youth, partially corrected in its latest developments, the SV version of 1971, like the placement of the gearbox, clutch and differential gear group inside the engine block, exposing the gearbox to dangerous overheating.
However, the Miura knows how to be forgiven its faults, with unprecedented performance (with its 280 km/h is, at its birth, the fastest production car in the world), but above all with an unmatched beauty. In its line of rare efficacy the stylistic innovations follow each other in an harmony of forms never seen before.
Featuring famous “eyelashes” on the headlights (born to make more appealing a particular otherwise taken by a simple Fiat), “Veneziane” blinds covering the engine, a rear grid where the octagon pattern is the signature of Gandini (which the new Aventador makes more than a tribute), and with a “double curve” profile that makes it so similar to a feminine silhouette, the Miura is a symphony of details that combine to make it not only beautiful, but also absolutely revolutionary. It’s low, wide, soft, and although not perfect, is a milestone in the car history.
“Impression, soleil levant” is the painting that conventionally represents the birth of the Impressionist movement, encoding those characters that will be all common to the group, although declined by each artist in an absolutely personal way. The visual arts overcomes the academic mythology representations of the Salon to focus finally on feelings to return to the observer.
Strokes are now free, vague, sometime even confused, rather than clearly defining what may be a sunrise or a sunset, leave the task of feeling sensations to the observer, working as an intermediary between the memory already belonging to the viewer and a new perception of the world, an impression that fluctuates between dreaming touches of color that are absolutely foreign to the figurative tradition for their unreality.
As the Miura’s “pop” colors are unprecedented in the automotive world (and they will be thereafter called “green Miura” and “orange Lamborghini”), so the soft and dreamy colors of Monet’s painting depart far from any desire of a faithful representation of real, defining the overcoming of the classical figurative objectivity to one, at that time, revolutionary concept of subjective interpretation of the reality, which results in exceeding the drawing and perspective for a particular chromatic expressiveness able to render on canvas not the objective reality, but the reality as it’s lived and felt by the artist, capturing the essential elements rapidly and not in an analytical way, giving precisely the impression.
The pure design of the Miura underwent a slight change with the birth in 1971 of the Spinto Veloce version, which makes necessary an enlargement of the engine bonnet, of the beautiful wheelarches (by design of semi-elliptic shape and not simply semi-circular) and the rear wheel track, and sees the disappearance of the “eyelashes” and the rear air intake with the octagon pattern, with other small cosmetic changes.
However, that doesn’t alterate the design.
If Ferruccio Lamborghini’s masterpiece is born as a bad-tempered answer to a long wait outside Enzo Ferrari’s door, the Monet’s one follows centuries of supposed realism that left no spaces for the artist’s inner feelings.
Both represent a point of final destination, and the birth of something new.

The Miura has been produced in 765 examples from 1966 to 1972, in three versions: P400, P400 S and SV, together with an unique Miura Roadster and some examples of Miura Jota, version developed for tracks which however has never take part in races for the reluctance of Ferruccio Lamborghini to the world of motor racing.
The Miura appears also in the 1969 movie “The Italian Job”.
“Impression, soleil levant”, oil on canvas, 43×63 cm, painted in 1973 is now in Paris, at the Musée Marmottan.

***

Al salone dell’Auto di Torino del 1965 l’oggetto che genera più scalpore è il prototipo PT400 (composto solo da telaio e meccanica) della nuova Lamborghini di cui ancora non si conosce la veste.
Alla prima mostra impressionista del 1874 la tela “Impression, Soleil levant” di Claude Monet codifica il termine “impressionismo”, che da un’espressione giornalisticamente ironica e dispregiativa, diviene la definizione del movimento forse più importante della storia dell’arte figurativa, la prima vera contestazione al classicismo fino allora imperante e battistrada a tutte le avanguardie del Novecento.
La Miura nasce da un’innovativa monoscocca d’acciaio piena di fori d’alleggerimento, ed anche se il motore 12 cilindri a V di 60 gradi da 3,929 cc e 350 cavalli deriva da quello (montato però anteriormente) della capostipite 400 Gt, ha la pura freschezza delle novità assolute, degli oggetti destinati non solo a lasciare un segno, ma anche ad aprire una strada che verrà ampiamente percorsa da chi verrà poi.
Ed infatti, solo per restare in casa Lamborghini, la allora nuovissima formula longitudinale posteriore è ancora gloriosamente alla base della nuova Aventador, la prima comunque, dopo più di quarant’anni, ad abbandonare il 12 cilindri della 400, della Miura, della Countach, della Diablo e della Murciélago.
È il venticinquenne Marcello Gandini a disegnarla, alla Carrozzeria Bertone, ed a svilupparla insieme ai pressoché coetanei Bob Wallace, Gianpaolo Dallara e Paolo Stanzani.
Il progetto, perlomeno nella sua prima realizzazione, non è esente da pecche di gioventù, parzialmente corrette nell’ultima evoluzione, la versione SV del 1971, come il collocamento del gruppo cambio, frizione e differenziale all’interno del blocco motore, soluzione che esponeva il cambio a pericolosi surriscaldamenti.
Tuttavia, la Miura sa far perdonare i propri difetti con prestazioni inedite (coi suoi 280 km/h è, alla sua nascita, l’automobile di serie più veloce del mondo), ma soprattutto con una bellezza senza pari. Nella sua linea di rara efficacia le innovazioni stilistiche si susseguono in un’armonia di forme mai vista prima.
Dotata di famosissime “ciglia” sui fari anteriori (nate per movimentare un particolare altrimenti ripreso da una semplice Fiat), di “veneziane” che coprono il motore, d’una griglia posteriore dal motivo ad ottagoni che è la firma di Gandini (e cui la nuova Aventador rende più d’un tributo), e con un profilo “a doppia curva” che la rende così simile ad una silhouette femminile, la Miura è una sinfonia di dettagli che concorrono a renderla non solo bellissima, ma anche assolutamente rivoluzionaria. È bassa, larga, morbida, e sebbene non sia perfetta, è una pietra miliare della storia dell’automobile.
“Impression, soleil levant” è il quadro che convenzionalmente rappresenta la nascita del movimento impressionista, codificando quei caratteri che saranno poi comuni a tutto il gruppo, seppur declinati da ogni pittore in maniera assolutamente personale.
L’arte figurativa supera le accademiche rappresentazioni mitologiche dei Salon per concentrarsi finalmente sulle sensazioni da restituire.
Le pennellate sono ora libere, vaghe, a punti perfino confuse, più che definire in modo netto quella che può essere un’alba od un tramonto lasciano all’osservatore il compito di provare sensazioni, proponendosi come tramite fra il ricordo già appartenente a chi guarda ed una nuova percezione del mondo, un’impressione (appunto) sognante che fluttua fra tocchi di colore assolutamente estranei alla tradizione figurativa per la loro irrealtà.
Come i colori “pop” della Miura non hanno precedenti nel
mondo dell’automobile (e verranno per questo da allora in poi chiamati “verde Miura” e “arancione Lamborghini”), così i colori morbidi e sognanti del quadro di Monet si allontanano decisamente da ogni volontà di fedele rappresentazione del reale, definendo il superamento della fedele oggettività figurativa secondo gli schemi classici da sempre adottati per un, all’epoca, rivoluzionario concetto di interpretazione soggettiva della realtà, che si traduce nel superamento del disegno e della prospettiva a favore soprattutto di una espressività cromatica capace di rendere sulla tela non la realtà oggettiva, ma quella immediatamente vissuta e sentita dall’artista, cogliendone rapidamente gli elementi essenziali e non analitici, appunto l’impressione.
Il puro design della Miura subisce un lieve cambiamento con la nascita nel 1971 della versione Spinto Veloce, che rende necessario un allargamento del cofano motore, e quindi degli splendidi passaruota (dal disegno semiellittico e non semicircolare) e della carreggiata posteriore, e vede la scomparsa delle “ciglia” e della presa d’aria posteriore dal motivo ad esagoni, oltre ad altre piccole modifiche estetiche che comunque non ne alterano il disegno.
Se il capolavoro di Ferruccio Lamborghini nasce come sanguigna risposta ad una lunga anticamera davanti alla porta di Enzo Ferrari, quello di Monet segue secoli di preteso realismo che non lasciava spazi al mondo delle sensazioni interiori dell’artista.
Entrambi rappresentano un punto d’arrivo definitivo, e la nascita di qualcosa di assolutamente nuovo.

La Miura è stata prodotta in 765 esemplari dal 1966 al 1972, in tre versioni: P400, P400 S e P400 SV, più un esemplare unico di Miura Roadster ed alcuni esemplari di Miura Jota, versione messa a punto per un utilizzo sportivo mai concretizzatosi per la ritrosia di Ferruccio Lamborghini verso il mondo delle corse automobilistiche.
La Miura compare anche nel film “Un colpo all’italiana”, del 1969.
Il quadro “Impression, soleil levant” è un olio su tela di 43×63 cm dipinto nel 1973 ed ora conservato a Parigi, al Musée Marmottan.